連載：第０６回 江崎光世先生インタビュー～25練習曲をめぐって
先週の「江崎光世先生 公開講座」の内容を受け、今回のインタビューでは、さらに踏み込んだお話を伺ってみようと思います。
5月2日。私とわが「ぶるぐ協会」会長前島が、横浜市のとある駅に到着したのは午前10時前。この日の朝はあいにくの雷雨。「『大雷雨』（ブルグミュラー18の練習曲の中の名曲）ですねぇ」などと言いながらご自宅に到着した私たちを、江崎先生は笑顔で迎えて下さいました。
私たちが通されたのは先生のレッスン室。グランドピアノが2台、壁一面ずらりと並ぶ楽譜、そしてDATやSVHSなどを含む数々のオーディオ機材。お花の植え込みが素晴らしいお庭を背景に、インタビューを開始しました。
（インタビュアー:筆者）
先週はありがとうございました。公開講座で興味深く思いましたのは、先生の『ブルグミュラーに入る前』の基礎教育の徹底ぶりです。子供たちに機能和声※1を身体にしみこませ、その上で4年生からブルグミュラーを与えるという方法。
江崎先生： そうです。音楽は言葉と一緒で、10歳前後までには、「音楽の文法」を身体にしみ込ませておかなければなりません。子供は早いですから、どんどん詰めこむことができます。機能和声をとにかく入れておく。
しかし、そのあとに与える教材が「ブルグミュラー25の練習曲」である必然性についてはどうなのでしょうか。数多くの楽曲、練習曲集に通じておられる先生が、なぜあえて4年生の子供のために「ブルグミュラー25の練習曲」を選ばれるのでしょうか？
江崎先生： 「25の練習曲」は、形式が美しく、とても構成力があります。ハーモニーが自然だし、標題に合う伴奏形もあります。形式が古典的なのでドイツ音楽のいいところがある。一方でフランス音楽のおしゃれなところもある。
私も25練習曲は、折衷的な音楽だと思います。音楽として折衷的。しかし形式的にはとてもカッチリしている。
江崎先生： そうしたものが、この曲集では非常にシンプルに、コンパクトにまとまっています。ですから、子供はそれまで詰め込んだ「音楽の文法」を自分で使うことができるのです。
自分の頭で考えて音楽を創る、その第一歩となる曲集・・・
江崎先生： そうです。詰めこんだものの集大成の場所なのです。基礎があれば、自分でアナリーゼ※2をしながら自力で音楽を創ることができます。そのことが、この曲集を通して子供に見えてくるのです。そこからは自力で音楽ができるようになるのです。基礎があれば早いですよ。1年くらいで終わります。しかし、ここをやらないでベートーヴェンやシューマンなど次にいってしまっては意味がない。10歳前後の思考力を「25練習曲」で生かしておかなくては、自分で音楽を創れない子になってしまいます。
同時にほかの曲集も弾かせていますか？
江崎先生： 私は4年生から同時にバッハのインヴェンションも始めます。少しあとからギロックの叙情小品集もとり入れます。いろんな音色を教え、ポリフォニーとホモフォニー※3の違いを感じさせ、歴史の説明もやさしくしてあげます。同時に教えても子供はわかりますから。
どの時代のどこの国のどんな曲を弾いているのか、そういう「自分が今どこにいるか」を意識して音楽することは大切なのですね。では同時に、20世紀の十二音技法※4などによる無調音楽を与えるのはどうでしょうか？
江崎先生： 子供はそれも感覚で認識できます。ただ、私たちは未来を知るためには過去を知らなければなりません。古典をきちんと勉強すること、その上でなければ新しいものは理解できません。
たしかに、西洋音楽史のながれとして、調性音楽を打ち破るエネルギーとして、無調の音楽が現れたわけですから、順番を知らないとそうした作品の理解につながりませんね。
江崎先生： ただし、中には近現代作品が好きで向いている子もいますから、コンクールの課題曲などをうまく利用して、その子にあった音楽を弾かせてあげることも重要です。ピティナ・コンペティションの課題曲が4期に分かれている理由もそこにあります。子供ひとりひとりの音楽性をきちんと見抜き、ひとりひとりの創造力を引き出すことが私たちの仕事です。自力で音楽ができること、これが大切です。
となるとやはり、10歳でのブルグミュラーが効果的なわけですね。先生はさらに、25を効果的に弾かせるツールとして、オーケストラ伴奏のCDや、録画映像と同期できる自動演奏装置などのツールも取り入れていらっしゃる。まさに古典と最新機器のコラボレーション！
江崎先生： ツールはどんどん利用しなくては。利用できるものは厭わず利用する。時代は移り変わるので、私たちも変わらなくてはなりません。新しいものを勉強しなくてはなりません。投資も必要ですが、優先すべきは、子供のもつ自分の力を引き出してあげること。きっかけをつくってあげること。そのために新しいツールに対して私たちが怠慢であってはいけません。
以上がインタビューの前半です。お昼（江崎先生の手料理！）をはさみ、インタビュー後半は、「音楽之友社新エディション」作成秘話や、この楽譜の解釈などに話が及びます。次回もお楽しみに！
- ハ長調やト長調といったように、調性をもつ音楽を支える和声システム。調性音楽においては、ハ長調ならド、ト長調ならソというように、ある一つの音に「主音」としての支配力をもたせていて、簡単にいうと主音以外の音は、全て主音に従属するように関係付けられています。音階上につくられた全ての三和音は、主音上の主和音（トニック）に対し、属和音（ドミナント）、下属和音（サブドミナント）といった役目＝機能をもっているので、「機能和声を身に付ける」といえば、調性音楽としての流れを生み出す「音楽の語法」を手に入れるというようなことを意味します。
- 楽曲分析のこと。機能和声の度数（コード）や、主要となるメロディーライン（主題）などを認識し、楽曲内の様々な要素を理論的にとらえていく作業。
- ポリフォニーとは多声音楽。ルネサンス期の教会音楽やバロック時代のバッハのフーガなどを思い浮かべてください。音楽が縦のラインというよりは、横に絡まるいくつもの声部から構成されていきます。ホモフォニーとは、古典派のハイドンやモーツァルトの音楽に聴かれるように、縦の和音のラインが強調された構成感があります。メロディーに対して、縦にそろう和声的な伴奏が特徴的です。
- 調性音楽が主音とそれに従属する音といったヒエラルキー的なシステムによるものであるのに対し、十二音技法は、１オクターヴ内の音をすべて平等に扱って均質化させることで、調性感のない無調の音楽を成立させた。ウィーンの作曲家アルノルト・シェーンベルクにより1920年代から用いられた技法。
